“Ginbasha” and “Neiro Superlight” by Mutsumi and Neiro (My impressions of the performance) 「銀馬車」「ねいろすーぱーらいと」について

February 14, 2019

11 Febrero, 2019  2019年2月11日 

 

Gustavo Thomas / グスタボ・トーマス   

 

Translation-Mai Ishikawa / 石川麻衣

 


I went to see “Dance in February” by Mutsumi & Neiro, two dear colleagues I met at Kazuo Ohno Dance Studio almost six years ago during my second travel to study Butoh in Japan.

The work is simple in its structure, two choreographies (if we want to call them like that) or solo parts, “Ginbasha” and “Neiro Superlight” linked by only one powerful thing, the humanity of the characters/performers. I chose the word ‘humanity’ because most Butoh techniques today try precisely to erase the humanity of the body looking for a primitive nature of it or as many say “killing it”.

 

This was also not an improvised work but most of it was as fresh as it was improvised, alive as it was the first time they were doing those movements on the stage. But freshness, even as a possible quality of the work, was not the essential thing here. What it was striking for me, touching in many senses, was that they were two worlds doing things, yes, two worlds walking, cleaning, seating, jumping, dancing, watching; two profound micro cosmos living on stage, moving their bodies like simple people but in such complexity that only they as performers could do it. And if that was remarkable they didn’t look like they were dancing.

 

He, dressed with a shirt with no sleeves, white underwear and a clownesque tocado on the head; his skin painted in white and his face lightly remind us a circus performer. She, dressed with many layers of clothes, a wig and a delicate hat with almost no make up, ending with only one brilliant blue leotard.


It was obvious that this was not a normal choreography of Butoh or even a theatrical story, but a piece of two characters. Yes, the presence of the performers was as profound as if they were two well constructed characters. So, in one moment I thought, -this is absurd, there are doing almost nothing but showing us what they are, this is like Theatre of the Absurd. What I’m watching is like a piece written by Beckett with Beckettian characters, with all the absurdity that means watching two human beings alive completely elaborated by the passing of time and the weight of the world over them-.

 

Watching Neiro and Mutsumi performing their Butoh was watching the masks, the alive costumes of two human beings, who are not capable of changing anything but just living those layers of life. It was sweet, painful, deep, absurd again, and touching but never moved us to tears. Each one of them had soul on stage and that soul moved us around their deep works.

 

Here we don’t see any kind of parafernalia of the body, anything but subtle transformation, like -comparisons aside- Kazuo Ohno performing his mother or La Argentina. If there were skills showing in this “technique” that Mutsumi and Neiro used it those were from inner nature, from the soul; they were acrobats of the soul.

 

I’m happy to have seen this particular Butoh performance, because they are a good reason to understand that the other path in Butoh is alive, that path coming from Kazuo Ohno’s work and that it is full of humanity and artistic endeavour.

 

睦美・寧呂による「Dance in February」という舞踏公演を観に行った。二人は6年前、僕が舞踏を勉強するため2回目に日本を訪れた際に、大野一雄舞踏研究所で出会った愛おしい仲間である。この作品の構造は実にシンプルだ。2つのコレオグラフィー(そう呼ぶとすれば)、あるいは、2つのソロ作品から成る。一つは「銀馬車」、もう一つは「ねいろすーぱーらいと」。この2つの作品は、たった一つの強烈な「あるもの」で結びついている。それは、それぞれの人物/パフォーマーの持つ人間性である。僕が敢えて「人間性」という言葉を使うのは、最近の舞踏テクニックは、身体に宿る人間性というものを意図的に打ち消すものが多いからだ。身体に原始的要素を求め、「人間性を殺す」という表現を使う者が多い。


これは即興作品ではなかったものの、多くの瞬間が即興と同じくらい新鮮であった。まるで舞台上で初めてその動きをやっているかのように、それぞれの瞬間が生きていた。もっとも、この「新鮮さ」が作品の性質の一つを成すにしても、最も重要な要素ではなかった。僕にとって最も衝撃だったのは、2つの世界が動いていたということだ。それは色々な意味で、僕の心を刺激した。2つの世界が、歩き、掃除をし、座り、飛び跳ね、踊り、見る。2つの深遠な小宇宙が舞台上で生きている。ただシンプルに、人として身体を動かしているだけのだが、その動きには、パフォーマーならではの複雑さがある。ゆえに、踊っているように見えない。


袖なしのシャツを着た「彼」は、白い下着を着て、頭にはクラウン風の頭飾りをつけている。白塗りの顔は、微かにサーカスのパフォーマーを彷彿させる。一方、「彼女」は、何枚も服を重ねて着ている。鬘と繊細な帽子を被り、化粧はほとんどしていない。そして最終的には、一枚の素敵な青いレオタードだけになる。


これは、従来の舞踏の振付とは全く別物であることが明らかであるし、従来の演劇とも異なる。これは2人の「人物」の物語である。そう。パフォーマーの存在感が凄まじいがゆえに、パフォーマーそのものが、綿密に描かれた登場人物のようであった。だから僕は、ある時点で、「ああ、これは不条理だ」と思った。彼らはほとんど「何もしていない」のだが、自身の正体を主張している。つまり、これは不条理演劇なのだ。僕が目にしているのは、ベケットの作品、あるいは、ベケットの中に登場する不条理な人物たちなのだ。「時間の経過」や、彼らに降りかかる世界の重みによって、この2人の人物の存在が強調されている。

 

寧呂と睦美の舞踏は、2人の人間がつけた仮面、2人の人間が身にまとった「生きた衣装」を表現しているようだった。何も変えることは叶わないが、人生の層を一つずつ淡々と生きている。甘く、せつなく、深く、不条理。心の琴線に触れるのだが、なぜか一度も涙は流れない。それぞれの魂が舞台の上に存在し、その魂が、その深い作品の中を案内してくれた。


身体に余計なものは一切なく、微妙な変化があるだけだった。比較するわけではないが、まるで大野一雄が「わたしのお母さん」や「ラ・アルヘンチーナ」を舞うように。もし、睦美と寧呂がこの作品の中で使った「テクニック」があるとすれば、それは、人間の本質から来るものだ。つまり、魂である。

彼らは、魂の曲芸師であったのだ。


この舞踏作品が見られて本当に良かった。この作品は、「もう一方の舞踏の道」がまだ生きているという証拠でもあるからだ。それは、人間性や芸術的探求に溢れた、大野一雄から続いている道である。

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